Videokunst – Zugriffsrechte verleihen bringt mehr als Medien verkaufen! Beitrag zur Blogparade der stARTconference.

Vergangenen Freitag war ich beim Podiumsgespräch „TRICKY Films. Die animierenden Filme der Künstler“  im Galerienhaus Stuttgart, in dem es um die Vermarktung und insbesondere um die Problematik der kommerziellen Distribution von Medien-, Video- und Filmkunst ging. Ausgehend von dieser sehr anregenden Diskussion, möchte ich nachfolgend die Schwierigkeiten kurz erläutern und anschließend ein Geschäftsmodell skizzieren, das die finanzielle Situation von Videokünstlern verbessern könnte . Gleichzeitig ist dies auch mein Beitrag zur Blogparade der stARTconference.

Wie im Podiumsgespräch, wird auch in diesem Blogpost zur Vereinfachung ausschließlich der Begriff „Videokunst“ verwendet, obwohl es sich bei Medien- und Filmkunst nicht zwangsweise um Videokunst handelt. Für diesen Beitrag sind diese Unterschiede jedoch unerheblich, da die Probleme dieselben sind. Ebenfalls zur Vereinfachung wird in diesem Artikel nur die Distribution von Single-Chanel-Arbeiten diskutiert, bei denen zur Wiedergabe nur ein Monitor oder Projektor benötigt wird (und nicht wie bei mehrkanaligen Videoinstallationen eine Vielzahl).

Probleme bei der kommerziellen Distribution von Videokunst

Videokunst verkauft sich aus verschiedenen Gründen schlecht. Die Hauptprobleme sind: 1. Die verlustfreie Reproduzierbarkeit der Videokunst. 2. Die mangelhafte Haltbarkeit der Trägermedien (Digital Betacams, DVDs etc.). 3. Die Präsentation, da die Zeitbasiertheit von Bild und Ton in herkömmlichen Räumen zu Problemen führt, Videokunst eine längere Verweildauer als „klassische Kunst“ (Gemälde, Skulpturen etc.) benötigt und sie sich nachträglich (z.B. in Ausstellungskatalogen) nur schwer vermitteln lässt.  Diese Probleme ziehen weitere nach sich. So wird Videokunst etwa nur von wenigen Sammlern und Museen gekauft und die Bereitschaft dafür einen angemessenen Preis zu bezahlen ist gering.

Die Vergangenheit und Gegenwart: Absatz über Galerien

Bislang wurde und wird versucht Videokunst über die gleichen Wege wie „klassische Kunst“ abzusetzen. Der Grund hierfür liegt im Selbstverständnis der Künstler, die ihre Arbeiten weniger als Videos, sondern vielmehr als Kunst betrachten. Folglich wird Videokunst in erster Linie über Galerien vertrieben und um ihr zumindest den Anschein eines Unikats zu verleihen, wird sie künstlich limitiert. Den gewünschten Erfolg bringt diese Strategie jedoch nur in den seltensten Fällen.
Die Verknappung verhindert zwar einen Preisverfall und wird von den meisten Sammlern und Museen verlangt, gleichzeitig macht sie jedoch auch die Vorteile, die in der Reproduzierbarkeit des Mediums liegen, zunichte. In der Regel wird deshalb versucht, einen Mittelweg zu gehen. Durch technische Eingriffe (z.B. Wasserzeichen, Verschlechterung der Bildqualität) und durch entsprechende Verträge, die beispielsweise dem Künstler das Recht einräumen seine Videos auf Festivals oder auf seiner Website zu zeigen, werden Kompromisslösungen gesucht. Diese schwächen jedoch die Exklusivität und damit den ohnehin schon verminderten Kaufanreiz bei potenziellen Käufern (siehe Hauptprobleme). Ähnlich wie die Musik- und Filmbranche versuchen Künstler durch Sondereditionen und Zusatzmaterial wie etwa Booklets, die Beigabe von Skizzen oder exklusive Verpackungen, den Kaufanreiz zu steigern, doch verbessert auch dies die Absatzchancen ihrer Kunst nur geringfügig.

Die Zukunft: Absatz über Videokunst-Portale

Eine kommerzielle Distribution der Videokunst über das Internet, bei der kein Trägermedium, sondern nur Zugriffsrechte verkauft werden, könnte für Videokünstler die Lösung sein. Ein solches Videokunst-Portal müsste eine Mischung aus einer Videoplattform wie YouTube und einer Online-Videothek wie Videoload sein. Zusätzlich wäre wohl eine starke Community, wie sie beispielsweise Wikipedia hat, sowie die Anerkennung in der Kunstszene, wie sie beispielsweise der Fernsehsender Arte genießt, nötig.

Warum es eine solche Mischung braucht, erklärt sich wie folgt:
1. Videoplattformen wie YouTube ermöglichen es jedem Nutzer, Videos online zu stellen, und verfügen zudem über eine Vielzahl an weiteren „Mitmach-Funktionen“. So wird Nutzern angeboten, „Kanäle“ von anderen zu abonnieren, Bewertungen abzugeben, Videos zu kommentieren und zu diskutieren, mit Videoantworten auf andere Videos zu reagieren und ggfs. mit dem Urheber in Kontakt zu treten. Durch diese Vernetzung und die zusätzliche Anbindung an soziale Netzwerke wie Facebook können sich interessante Videos schnell/viral in der Community verbreiten.

2. Die Vorzüge von Online-Videotheken liegen im (zumindest aus künstlerischer Sicht) besseren Geschäftsmodell. So wäre es wohl nur für die wenigsten Künstler vorstellbar, dass ein Portal, auf dem Videokunst gezeigt wird, sich durch die Einblendung von Werbung finanziert. Online-Videotheken hingegen erzielen ihre Einnahmen – ähnlich wie herkömmliche Videotheken – durch den Verleih von zeitlich beschränkten Zugriffsrechten auf Filme. Dieses Video-on-Demand genannte Verfahren ermöglicht es Privatnutzern, sich rund um die Uhr aus dem Angebot der Online-Videothek gegen ein gewisses Entgelt einen Film „auszuleihen“, ihn also mittels eines Videostreams online anzusehen oder ihn mit einer zeitlich beschränkten Lizenz herunterzuladen. Bezahlt wird folglich nur für die Filme, die auch angesehen werden (Pay-per-View). Manche Online-Videotheken bieten zusätzlich Flatrates an, die es Nutzern ermöglichen, gegen eine monatliche Gebühr unbegrenzt viele Filme zu schauen – allerdings wird in diesem Fall das Angebot beschränkt. Schließlich werden auch Videos als „Download-to-Own“ angeboten. Das bedeutet, dass der Nutzer sich das Video kauft, er es sich folglich auf den heimischen Rechner herunterladen und beliebig oft anschauen kann (ohne zeitliche befristete Lizenz). Die Preise legt bei Online-Videotheken der Betreiber fest. Bei einer „Online-Videokunst-Videothek“ wäre es vernünftig, weitgehend den Künstlern die Preisgestaltung für ihre Videos zu überlassen, wobei die Festlegung eines Standard-Preises sicherlich ebenso sinnvoll wäre wie die Festlegung eines Mindestpreises. Letztere würde die Künstler vor einer kostenlosen Weitergabe und damit vor Selbstausbeutung schützen.

3. Communities haben den Vorteil, dass sie unter gewissen Umständen zu Selbstläufern werden, weil die Mitglieder sich gegenseitig kontrollieren und über die Inhalte wachen sowie deren Relevanz beurteilen. Die Community-Mitglieder halten sich dabei jedoch strikt an festgelegte Grundsätze. Bei Wikipedia funktioniert eine solche Community nahezu perfekt. Obwohl jeder Internetnutzer Artikel bei Wikipedia einstellen sowie bestehende Inhalte verändern und verfälschen kann, haben zahlreiche Tests belegt, dass die Qualität der Wikipedia-Artikel auf einem ähnlich hohen Niveau wie bei „herkömmlichen“ Enzyklopädien ist. Bei einem Portal für Videokunst wäre es folglich wünschenswert, wenn jeder Nutzer Videos einstellen könnte, jedoch die Community anhand von festgelegten Relevanzkriterien entscheidet, ob ein Video auf dem Online-Portal verbleibt oder gelöscht werden muss. Eine solche Entscheidung, wird zwar mitunter schwierig werden, aber dennoch möglich sein. In den Richtlinien von Wikipedia steht beispielsweise zur Relevanz von zeitgenössischen Bildenden Künstlern: „Wie bei anderen Berufen (Politiker, Sänger, Wissenschaftler etc.) zählt für die Aufnahme in ein Lexikon nicht die tatsächliche („objektive“) Qualität einer Arbeit, sondern das Ausmaß, in dem diese Tätigkeit im fraglichen Bereich einen Widerhall in der Öffentlichkeit und/oder bei den Instanzen gefunden hat, die sich damit professionell auseinandersetzen.“ Darunter fallen in erster Linie Museen; die Entscheidung über „Kunst oder Nicht-Kunst“ wird folglich weitergegeben. Dieses für Wikiepdia geltende Kriterium wäre für ein Videokunst-Portal sicherlich suboptimal, da es unbekannten Künstlern die Chancen rauben würde, ihre Werke über die entsprechende Plattform zu vertreiben, doch soll an diesem Beispiel gezeigt werden, dass Relevanzkriterien auch in der Kunst definierbar sind.

4. Solche Community-Richtlinien tragen sowohl zur Qualitätssicherung wie auch zu einem guten Image und einer Anerkennung des Videokunst-Portals in der Kunstszene bei. Es sei auch daran erinnert, dass Videokünstler ihre Werke als Kunst betrachten und weniger als Videos! Aus diesem Grund wurde Videokunst bislang in Gallerien und nicht in Elektrohandelsketten verkauft und aus diesem Grund bräuchte ein Videokunst-Portal ein ähnlich gutes Image in der Kunstszene wie es beispielsweise der Fernsehsender Arte hat oder wie es die meisten öffentlich-rechtlichen Kunstmuseen genießen. Videokünstler meiden größtenteils Plattformen wie YouTube, da abgesehen von rechtlichen Einschränkungen, hier jeder Nutzer alles hochladen kann. So wenig wie Künstler ihre Videos auf einem Fernsehsender wie RTL2 sehen wollen, so wenig sind sie bereit, ihre Videos bei YouTube einzustellen. Auf ihrer eigenen Website, die in der Regel keinerlei Vernetzungsmöglichkeiten bietet und nur von wenigen Nutzern besucht wird, zeigen Videokünstler jedoch oftmals ihre Werke – sogar kostenlos! Diese Denkweise mag für Außenstehende elitär anmuten, doch ist der Kontext, in dem Kunst präsentiert wird, für Künstler von großer Bedeutung. Böte also ein in der Kunstszene anerkanntes Videoportal den Künstlern an, ihre Videos einzustellen, würden wohl die allermeisten Künstler diese Chance auch nutzen. Der Imagefaktor entscheidet also letztlich darüber, ob ein solches Videokunst-Portal von den Künstlern angenommen wird und entscheidet somit, ob das Portal Erfolg hat.

Fazit

Das Angebot des Videokunst-Portals richtet sich vor allem an kunstinteressierte Museumsbesucher und weniger an Videokunst-Sammler, für die das Angebot wohl keine Alternative zum Kauf eines handsignierten und limitierten Mediums sein kann. Den Künstlern bringt es finanziell wahrscheinlich dennoch mehr ein, ihre Kunst an viele zu verleihen statt an wenige zu verkaufen, zumal es nur wenige Videokunst-Sammler gibt und die bisherigen Absatzwege wenig zielführend sind. Die beschriebene Form der kommerziellen Online-Distribution birgt für die Künstler allen Grund zur Hoffnung. So können sie mit dem Verleih von Zugriffsrechten zu ihren Videos nicht nur ihre Einnahmen, sondern auch ihre Bekanntheit steigern und können sich zudem in der Kunstszene durch die Vernetzung mit anderen besser positionieren.

Zwar gehen damit auch Gefahren einher, etwa dass die Videokunst illegal heruntergeladen und verbreitet wird, gleichwohl sind diese auch vorhanden, wenn die Künstler ihre Videos auf ihren privaten Websites zeigen. Auch dürfte der Anreiz, eine solche illegale Handlung zu begehen, bei Nutzern vernachlässigbar sein, da für sie nur geringe Kosten anfallen. Zwar wurden im Beitrag keine Preise genannt, doch dürfte das einmalige Anschauen eines Videos wohl kaum mehr als einen Euro kosten. Ein solcher Preis wäre gleichwohl kein „Sellout“. Setzt man diesen nämlich in Relation zu dem Eintritt in ein Museum, wo Besucher ebenfalls ein zeitlich beschränktes Zugriffsrecht auf Kunst erwerben, wird schnell deutlich, dass ein Euro für das Anschauen eines Kunstwerks keineswegs billig ist. Die Staatsgalerie Stuttgart zeigt allein in ihrer ständigen Sammlung 800 Kunstwerke. Müsste man für jedes einen Euro bezahlen, läge der Ticketpreis folglich bei 800 €. Solch rationale Argumente überzeugen Künstler jedoch nicht immer. Aus diesem Grund würde eine erfolgreiche Umsetzung der Geschäftsidee keineswegs mit der Erstellung eines Videokunst-Portals enden. Stattdessen müsste in der Kunstszene und insbesondere bei den Künstlern viel Überzeugungsarbeit geleistet werden. Denn ohne ihre Inhalte ist ein solches Portal nicht mehr als ein leeres und lebloses Gerüst.

P.s. Dank geht an Yvonne Siebig, deren 2006 erstellte Magisterarbeit „Distribution von Videokunst“ mir für den ersten Teil dieses Beitrags eine große Hilfe war.

P.P.s Hier gibt es den Beitrag als Word-Dokument (mit leicht geändertem Einstieg) zum Herunterladen.